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1986 - 1990
Galerie Rivolta, Lausanne
Galerie Patrick Roy, Lausanne
Galleria la Bertesca Miano
Galleria Seo, Milano
Galleria Nada Relic, Zürich
Negli anni Ottanta i neri e bianchi, impastati a blu, rossi e gialli, sono stati persistenti nella mia arte. Un solo colore, nelle sue infinite gradazioni, era completo e perfettamente capace di realizzare dilatazioni di un fitto prolungamento materico: realizzava il desiderio che lo spazio contasse più del tempo. Una sovrabbondanza di segni, disseminati fino a perdermi in essi, per insistenza, al limite della mania, nelle variazioni di grigi screziati di blu, di battiti di giallo, accenni di rosso frantumato nel suo farsi luce.
A New York avevo acquistato stecche di carboni a olio. Quel materiale è stato per me una vera scoperta. La dimensione piccola dei singoli pastelli mi permetteva di impugnarli facilmente, lasciando scorrere morbida la mano. Tracciavo linee di varie tipologie, tribali, labirintiche, le portavo a spasso come consigliava Paul Klee ai suoi allievi, sia per i segni morbidi e netti, sia per quelli sfuocati e interrotti o indecisi e frammentati.
Il passaggio dal disegno alla scultura è accaduto grazie all’esperienza sensoriale della rimozione dalle pareti dei foglioni disegnati. Nel gesto di estenderli, nel chiuderli, sollevarli e poi lasciarli cadere a terra mi sfioravano coprendo e avvolgendo volumetricamente il mio corpo. Su superfici di piramidi di rete metallica, gesso, stoffa e collanti, ho cominciato allora a disegnare e disegnare non smettendo mai di declinare la pittura, cercando di coglierne le più rarefatte consistenze raggrumandola sulle superfici delle mie piramidi sbilenche.
1990, Domus fantastica picta, Galleria Roberto Monti, Modena
Oltrepassando i confini del foglio di carta, della tela e dell’oggetto scultureo ho agito diretta sulle superfici delle pareti della galleria. Nelle quattro stanze, le pareti frontali, quelle del passaggio d’entrata e d’uscita, erano fantasticamente dipinte e ricoperte in tutta la loro superficie. Con gesti appassionati ripetevo dense sequenze che si espandevano nello spazio con segni di cunei, frecce, tracce, punti, graffiti in carbone mischiato a rapidi tocchi di azzurro.
1994, Studio Soligo, Roma
Ho tradotto un sogno in un’avventura spaziale. Utilizzando esili strutture ho installato una ripetizione di equilibri che si estendevano o si contraevano lungo le linee di forza dell’architettura dando vita a una dialettica di pieni e vuoti e a una tensione nella semplicità che non è mai un punto di partenza, ma un approdo. Piccole forme di sabbia ferrosa e gesso, dipinte di nero uniforme conservavano le impronte della tela che le aveva avvolte. Tutte alla stessa altezza e sostenute in equilibrio dalle aste di ferro ci illudevano di sorreggere a loro volta le pareti stesse.
1994, Galleria la Polena, Genova
Facce di piramidi pendenti, troppo fragili per potersi reggere da sole, smagrite, sottili e oblique, erano precariamente erette su sostegni insicuri che trovavano appoggio sulle pareti delle stanze della galleria. Due aste di ferro che convergevano in un punto formando un angolo accoglievano o incastravano appena appoggiati scudi leggermente incurvati, erano barche, o amache, o insetti integralmente ricoperti da fuligginoso carbone.
1996, Eclissi, Centre culturel Suisse, Parigi, a cura di Armin Heusser
Il buio si era impossessato della sala. Uscendo riaffioravano nella memoria le suggestioni dell’antropologo Claude Lévi-Strauss: descriveva il Sole come il grande architetto del mondo, che gioca con i suoi raggi come un pittore e con la sua luce fa apparire piani diversi e complessi. Ho utilizzato sedici casseri, materiali a uso servile, dandogli nuova vita, elevandoli al ruolo di testimoni dell’ultima incredulità alchemica che sia rimasta, quella dell’arte. Entrando nella sala da nord le colonne apparivano completamente nere e, solo nel procedere, la parte luminosa si svelava mostrando l’argentea superficie tremolante al minimo riflesso di luce. La luce era chiamata a interagire con le superfici pittoriche, generando una dinamica percettiva instabile e mutevole. All’interno della sala era possibile, spostandosi, cogliere più punti di vista in condizioni differenti di luce naturale.
2000, Eclissi II, Museo cantonale d’Arte ala est, Lugano, a cura di Marco
Francioll
i
La prospettiva suggerita dall’installazione di 66 tele, carte intelate e intelaiate dalle dimensioni di 200 per 160 centimetri ciascuna, guidava verso due pannelli centrali, posti sulla parete di fondo, dove l’equilibrio perfetto tra le parti non era dato nella dualità di non essere ancora e di non essere più, come se il pensiero dell’unicità non potesse essere mai esplicitato. L’osservatore percorreva lo spazio tra due pareti zigzaganti accordando ad esso il proprio passo e il proprio respiro; il nero opaco incontrava l’argento, tra assenze di luce e apparizioni luminose.
2004, Costellazione, Scuola per adulti, Migros Lugano
“Da qualche parte devo cominciare: il cielo. Finestra senza davanzale, telaio, vetri. Un’apertura e nulla più, ma spalancata”.
Ho inciso le parole della poetessa Wislawa Szymborska, con un procedimento di sabbiatura, su quattro lastre di alluminio poste a cornice di un quadrato nel controsoffitto della segreteria di una scuola per adulti. Nei corridoi che portavano alle aule ho inserito nel pavimento - come frammenti di stelle cadute - centinaia di tondini di acciaio di un centimetro ciascuno, posti a cinque centimetri uno dall’altro. Il fascio di luce proveniente dagli spot posti sul soffitto li faceva brillare ad ogni passo segnalando il percorso per accedere alle aule.
2007, Da stella a stella, Scuola per adulti Migros, Locarno
Se la poesia “Il cielo” aveva il ritmo di un respiro cosmico, come per magia, in una nuova sede della scuola per adulti, quello stesso respiro era presente in uno sgraffito, posto all’entrata. Realizzato negli anni sessanta da Hans Tomamichel presentava figure evocate nella poesia di Wislawa Szymborska.
Ho scelto di dare continuità all’onda che collegava in quell’opera cielo e terra, proseguendone l’andamento con un nastro dorato, un’onda luminosa che correva dipinta lungo le pareti del pianterreno, del primo e del secondo piano. In quella traiettoria dorata spiccavano frasi riaffiorate nella mia memoria di adolescente, quando avevo soggiornato in quell’edificio “ho immaginato cose avverarsi se voglio, ho desiderato avere talento, conoscere senza dovere distinguere il sonno dalla veglia, fughe incontri da stella a stella, mi rallegro…”
2013, Enoisullillusione, Museo cantonale d’Arte, Lugano, a cura di Bettina
della Casa
La realizzazione delle opere e l’allestimento della mostra Enoisullillusione sono avvenuti in piena libertà d’azione. Nelle venti stanze del museo ho declinato molteplici linguaggi ed elementi eterogenei, anche apparentemente dissonanti tra di loro. La mia libertà espressiva ha trovato caleidoscopiche forme nell’incontro con materiali quali supporti necessari e significanti delle immagini finali delle opere; materiali che erano sia punti di partenza che punti di arrivo, usati per la costruzione d’immagini che inducevano al superamento stesso della loro visione.
2014, Sfaglio, Palazzo Parasi, Cannobio
Ho pensato a un unico intervento: un’installazione orizzontale per superare il rapporto frontale del quadro con la visione oculare, favorendo il rapporto del corpo col momento contemplativo. Il titolo dell’esposizione – Sfaglio rintendeva la possibilità di scartare ciò che non si ritiene utile o funzionale.
Ho ripensato alla figura del pappagallo, e nuovamente ho scelto di verificarne le possibilità combinatorie spaziali collocando le immagini piene o particolari dell’animale; su una precostituita griglia cartesiana a fondo nero. Le varie immagini stampate su lastre di alluminio formavano un piano leggermente rialzato rispetto al pavimento della sala. Il piano investiva quasi la totalità dell’ambiente e costringeva l’osservatore a costeggiare l’installazione lungo il perimetro, nel ridotto spazio tra l’opera e le pareti. La visione risultava così sempre di sguincio e mai frontale. Nel contempo veniva riprodotto continuativamente il verso del pappagallo che emulava la realtà.
2014, Sacca Sant’Elia, Scuola per adulti Migros, Bellinzona
La terra brillava grazie a piccoli blocchi di vetro monocromatici, ultimi resti della lavorazione di un vetro monocolore. Montagne in miniatura, punte di puro colore, lucide o opache, lisce o rugose, piramidi perfette o sghembe, erano iceberg di cui non era possibile immaginare la parte sommersa. Ho scavato per liberarne alcuni. Ripuliti dalla terra li ho immesi nell’acqua in un vaso trasparente, li ho fotografati, creando immagini astratte di accostamenti e sovrapposizioni di colori. Pellicole di silicone, come morbide e sinuose carte fotografiche, a contatto con il vetro e a un’elevata temperatura, liquefacendosi, rilasciavano e trasferivano sul vetro immagini forme e colori. Quaranta vetri colorati formato cartolina hanno composto un’installazione permanente dal titolo Sacca Sant’Elia, il nome del luogo dove ho trovato i cotissi.
2015, Universo da tavolo, Galleria Consarc, Chiasso
L’universo è reale, ma è invisibile. Scherzavamo, la sera, quando dalla finestra lasciavamo cadere sulla via le briciole, rimasugli di pane sulla tavola. Le fotografavo come se fossero stelle appoggiate sul tessuto dell’universo.
Universo da tavolo, ripetevamo. Era un buon titolo per una mostra con le fotografie della sola tovaglia di fiandra e quei sacri resti a comporre l’universo. In alcune immagini, le briciole reali erano realmente appoggiate sulle fotografie della tovaglia.
2017, Attorno a un fiore, Atelier Giliberti, Rotondi, Napoli
Mi aveva attratta, catturata anzi, un fiore; si trovava oltre il confine della rete metallica di un giardino lungo una via trafficata nella campagna napoletana. Si sottraeva, l’iris, col suo bianco, all’indifferenza di un colpo d’occhio che lo avrebbe inglobato nella visione banale di un tutto parziale. Sbucava da dietro una siepe rivolgendosi al paesaggio e alla distesa dei terreni circostanti. L’ho filmato mosso dal vento, ne ho rallentato i movimenti, per liberarne forme e figure latenti imprigionate nel suo corpo vegetale. L’ho stampato su piccole foglie d’oro o d’argento.
2017, Camminando giocando costruire lo spazio, Passaggio galleria pedonale,
Lugano
Il passaggio dell’unica galleria pedonale della città necessitava di un restauro, così ho sostituito i vetri colorati del soffitto con lamine di plexiglas ricoperte da una pellicola caleidoscopica. L’effetto della pellicola, a seconda dell’orientamento del raggio di luce e dello sguardo rivolto verso l’alto, mostra più colori espandersi in varie direzioni. La luce emanata e diffusa attraverso le lamine colora lo spazio di proiezioni luminose che generano nuove forme e ombre, diverse nei vari momenti del giorno e nel susseguirsi delle stagioni. La struttura architettonica di copertura rimanda allo schema del gioco “del mondo”. Percorrendo svagati il passaggio è possibile costruire lo spazio immergendosi in un tempo speciale che solo il gioco creativo, tra regole e libertà, regala.
2019, Il verde che ci abita, Casa Leventinese per anziani, Giornico
Dai fori del calcestruzzo sulla parete di cemento armato nel patio della casa anziani, immaginavo sbucassero piantine capaci di attecchire su quel grande muro. Era un’immagine di resistenza del fiore e della pianta capaci di resistere e sopravvivere con poca terra umida. Li vedevo aprirsi un varco con forza, lasciando in mostra le loro radici intrappolate in spazi ridotti. Era questa la visione che ispirò il progetto che realizzai nel tempo a disposizione. Un video racconta la storia degli inserimenti di minuscole piante nelle fessure del cemento armato. Con quelle immagini realizzai scatole luminose di varie dimensioni posizionate sulla parete. Un filo rosso, come una linfa o una vena, le collegava distribuendo l’elettricità necessaria a illuminarle, enfatizzando l’intima spinta e l’energia vitale dei vegetali.
2022, First aid, Galleria Consarc, Chiasso
“First aid” è la dicitura che ho letto sulla confezione di una coperta isotermica inviatami da un’organizzazione umanitaria per una raccolta di denaro.
Proteggeva dalla pioggia la motocicletta di un amico, d’inverno avvolgeva una pianta di limoni di un’amica. Poteva diventare una tenda per la doccia, una lampada, una tovaglia, la copertura di una vaso da fiori, o … quando mi accingevo a costruire immagini fotografiche, pensando a che cosa ne avrebbero fatto o avrebbero potuto farne gli svizzeri di una coperta isotermica di salvataggio. Le fotografie, stampate sul lato argentato della coperta, facevano convergere i due opposti, l’oro e l’argento, riunendoli in un’unica immagine.
2024, L’eco dei richiami, Spazio Officina, m.a.x. museo, Chiasso,
a cura di Marco Franciolli e Nicoletta Ossanna Cavadini
“La coperta mi sussurra che l’oro non è un colore, ma il testimone del sacro sulla terra”. La mostra presentava un ciclo di lavori basato sull’uso della coperta isotermica di primo soccorso, un materiale industriale diventato nel corso del tempo simbolo di protezione, emergenza e precarietà. L’ho utilizzizzato trattandolo come oggetto di una riflessione formale, declinata attraverso processi di stampa, incisioni, lacerazioni, stratificazioni, e al tempo stesso esaltando le qualità intrinseche della coperta: la leggerezza, la brillantezza metallica, la capacità di riflettere e alterare la luce, il suono prodotto dal contatto con l’aria o con il corpo. La coperta non è stata semplicemente supporto, ma il soggetto del mio intervento artistico, ha scompaginato i confini tra resistenza e fragilità, suono e silenzio, luce e ombra, tempo e eterno, immanenza e trascendenza, ordine e disordine.
2025, Nidi, Libreria del Museo e del Teatro Lac, Lugano
Le immagini delle donne che ho scelto dipinte o fotografate su un prato, a letto, in treno o in casa accanto a una lampada, sono immerse nella lettura di un libro e non staccano gli occhi dalla pagina. Vivono vite che non solo le loro, si identificano con le avventure dei personaggi dei racconti e delle loro storie. Secondo Max Frisch chi legge indossa le storie come se fossero vestiti. Ma cosa leggevano mentre posavano immobili, consegnate allo sguardo attraverso una fotografia, un disegno o un’immagine pittorica? Quali segrete risposte si annidavano nei loro sguardi, sul mondo e sull’umanità, mentre conquistavano se stesse e la propria vita sottratta al controllo degli altri?
Ho lavorato a uncinetto una catenella, avvolgendola fino a darle la forma di un nido, che ho collocato tra gli spuntoni in alluminio di un dissuasore per uccelli. All’interno del nido ho inserito l’immagine – ritratto di una modella, colta nel momento in cui un artista o un fotografo si accingeva a dipingerla o a fotografarla. I titoli dei singoli nidi corrispondono ai titoli dei romanzi pubblicati nell’anno in cui sono state dipinte o fotografate le donne che leggono. Le opere sono state collocate tra i libri della libreria del museo e del teatro Lac, trovando spazio e dimora tra i volumi.
2026, Il cielo azzurro non dubita del suo azzurro, Museo Schmid, Bré, a cura
di Francine Bernasconi
L’ubicazione del Museo Schmid, in cima al moste Bré, e lo sguardo rivoltoverso quella sommità che sembra toccare il cielo, mi hanno suggerito il titolodella mostra : Il cielo azzurro non dubita del suo azzurro. Due materiali, ildissuasore per uccelli e la coperta isotermica, venivano sottratti alla lorofunzione originaria e messi in relazione secondo una nuova disposizione. Lacollocazione degli elementi, la loro distanza, l’alternanza di pieni e vuoti tra iframmenti dei dissuasori, costruivano lo spazio di relazioni possibili. Era inquesto spazio che affioravano significati inattesi, che non erano stati dati unavolta per tutte, ma prendevano forma dallo sguardo di chi osservava. Sullaparete di fronte e su quella perpendicolare che formava l’angolo sulla destra,un’installazione assemblava una serie di collage di uccelli e una serie divecchie cartoline della città avvolta nel manto del primo calar della luce,quando il lago si tinge nell’oro e gli uccelli volteggiano in cerchi magici espirali nel cielo, il loro campo da gioco, esibendo voli e soste, ebbrezze edisperazioni. L’esposizione era completata da un nido lavorato a catenella confili azzurri, collocato all’interno di un dissuasore per uccelli, e da un librod’artista composto da fogli neri, nuvole dorate e fili che evocavano il ventonel suo cambiare direzione e nel suo spostare le nuvole.
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